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The Art of Plotting: Add Emotion, Suspense, and Depth to your Screenplay
The complete, clear guide to creating compelling plots for film
-Integrate plot, characterization, and exposition to make stories real
- Examples from new and classic movies examine great plots in action
Plot must be as much about the emotions of the characters as it is about the events of the story.
That’s the message of The Art of Plotting, which teaches screenwriters how to integrate plot, characterization, and exposition to make stories compelling. Using examples from recent and classic movies, author Linda J. Cowgill demonstrates how the plot springs naturally from the characters--and how that technique makes audiences connect with the story on a more intimate level. Examples include American Beauty, Shakespeare in Love, Erin Brockovich, Spider-Man, Chinatown, Jaws, and more. Easy exercises reveal common plot problems and help writers overcome them. Clear and easy to understand and to use, The Art of Plotting shows exactly how great plotting evolves from characters caught in life-changing conflicts--and how to create great plots driven by that idea.
-Integrate plot, characterization, and exposition to make stories real
- Examples from new and classic movies examine great plots in action
Plot must be as much about the emotions of the characters as it is about the events of the story.
That’s the message of The Art of Plotting, which teaches screenwriters how to integrate plot, characterization, and exposition to make stories compelling. Using examples from recent and classic movies, author Linda J. Cowgill demonstrates how the plot springs naturally from the characters--and how that technique makes audiences connect with the story on a more intimate level. Examples include American Beauty, Shakespeare in Love, Erin Brockovich, Spider-Man, Chinatown, Jaws, and more. Easy exercises reveal common plot problems and help writers overcome them. Clear and easy to understand and to use, The Art of Plotting shows exactly how great plotting evolves from characters caught in life-changing conflicts--and how to create great plots driven by that idea.
208 pages, Kindle Edition
First published January 15, 2007
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Community Reviews
Displaying 1 - 11 of 11 reviews
December 31, 2013
I feel surprised to give this a 5 but I think it deserves it. Sometimes the value of a book is in reading it at the right moment for you the reader. Some books are just like that. One day you get nothing from it, but on a different day it can yield a lot. This one caught me at the right time for the subject matter it contains. i could say it doesn't have anything groundbreaking but something in it really resonated with me. It made me think about the stories I am currently working on and gave me pause to re-think some pretty important aspects of them. For me, this book acted as the spices that set off a great dish, it just added something that was needed in my thinking. Maybe it was the of examples from films I am familiar with, or maybe it was just a re-stating of something I knew in a different way and in that it made me reconsider some things I thought I already knew.
Good brain food.
Good brain food.
April 1, 2015
The Art of Plotting é o primeiro livro que li da autora Linda J. Cowgill, uma professora famosa do Los Angeles Film School e da Loyola Marymount University. Ela ficou famosa pelos livros Secrets of Screenplay Structure e Writing Short Films, que ainda pretendo ler, mas o The Art of Plotting tem sido muito bem comentado em blogs de roteiristas, e resolvir conferir o livro.
É um livro curto, cerca de 208 páginas, mas bem cheio de conteúdo. Não é um livro para iniciantes, como ele foca na construção da trama, e principalmente, em técnicas de caracterização, muitos dos conceitos básicos de roteiro são apenas citados rapidamente.
Linda está focada na trama nesse livro, fornecendo idéias e sugestões de como o escritor pode manter a trama de sua história interessante, e principalmente, como fazer com que a trama provoque uma experiência emocional, ou melhor como fazer com que o público se conecte emocionalmente com sua história.
O livro é muito bem escritor e bem conciso, com vários exemplos tirados de filmes. Eu recomendaria assistir os seguintes filmes antes de ler o livro, grande parte das explicações depende do leitor conhecer bem esses filmes (e até mesmo ler os seus roteiros, existem muitos sites com arquivos de roteiros na internet):
Tubarão
Beleza Americana
Seven
O Feitiço do Tempo
Jerry Mcguire
Kill Bill
Erin Brockovich - Uma Mulher de Talento
O Piano
A Testemunha
(Esses são os principais, mas ela também usa muitos outros como exemplo).
O livro é dividido em nove partes:
1 - Os três requerimentos da Trama
2 - Trama: Evento e Emoção
3 - O Papel do Conflito
4 - Os Princípios da Ação
5 - Ferramentas de Criação de Tramas
6 - A Sequência da História
7 - A Verdadeira Arte do Planejamento de Tramas
8 - Problemas Comuns da Construção de Tramas
9 - Ferramentas para Análises de Roteiros
ALGUMAS ANOTAÇÕES QUE FIZ DURANTE A LEITURA
Para Linda, trama e estrutura narrativa estão completamente ligados. Quando se estrutura a história de um filme, o escritor trabalha a trama para descobrir qual é a melhor forma de contar a história, planejando as cenas, criando relacionamentos entre seus elementos, e desenvolvendo ação, diálogos, cenas e sequências e construindo o clímax da narrativa.
A verdadeira estrutura de uma história é mais do que os Pontos de Trama, os Pontos de Virada, Quebras de Atos ou outros elementos tradicionais de roteiro. Estrutura é a moldura para gerenciar e dar sentido a todos os elementos de uma narrativa - a ação, o conflito, os personagens, a exposição, o tema, o subtexto, etc. A estrutura cria o contexto para a relação desses elementos.
A estrutura de um roteiro não precisa ser complexa, pelo contrário, a maioria dos melhores filmes da história do cinema possuem estruturas simples e elegantes.
A criação de uma trama envolve colocar conflito e significado em cenas de exposição, suspense, revelação de personagem e exposição de emoções, para aumentar o envolvimento do público com o trabalho. O escritor busca por ações específicas que revele para o leitor como o personagem age e reage, intelectualmente e emocionalmente, e depois cria cenas específicas para avançar a ação, revelar personagem ou fazer exposição.
Ao construir uma trama, o escritor busca construir uma linha cara que mostra como uma ação leva à próxima ação, e assim por diante, de modo a construir uma corrente de eventos que flui de maneira coerente, natural e, ao chegar no clímax de maneira inexorável. Mas, ao mesmo tempo, o escritor deve buscar pela smaneiras mais interessantes, surpreendentes e emocionantes para conectar as cenas entre si.
A arte da trama é na verdade, a arte de criar relacionamentos entre as cenas para fazer com que os Story Points (os elementos mais importantes da história, as informações, as emoções e as ações mais importantes da história, os momentos marcantes e o significado da história) se tornem mais poderosos e significativo.
De uma forma geral, escrever um roteiro é um processo multifacetado. Primeiro você precisa de um plano geral que dá forma e significado ao material. O próximo passo é a estruturação das cenas para criar um caminho de ação e reação que constrói a tensão narrativa, o significado e a emoção.
As melhores tramas são construídas em cima de recompensas emocionais para o público, recompensas que são percebidas como reais e importantes. Porém, esse é o maior desafio de um roteirista, como e onde colocar a emoção em sua história. E o melhor lugar para as emoções é nas cenas de reações dos personagens em relação ao que aconteceu nas cenas de ações.
A reação emocional dos personagens aos acontecimentos de uma história é o melhor momento para criar a trama emocional da história e aumentar a conexão emocional com o público. Quando os escritores pulam as cenas de reação emocional dos seus personagens, pelo medo de diminuir a velocidade da narrativa, suas histórias correm o risco de perder a dimensão emocional ou o realismo. Como resultado, as emoções não são incorporadas efetivamente à trama da história, e os personagens se tornam superficiais e estereotipados.
Emoções servem para motivar os personagens e expandir o entendimento do público dos eventos da narrativa, ao mostrar como os eventos afetam internamente os personagens. Isso ajuda na empatia do público com a narrativa, um elemento essencial para criar e manter o interesse ao longo da história. O modo como os personagens reagem emocionalmente da significado para a narrativa.
Linda define "drama" como "um personagem que quer algo e age contra obstáculos para conseguir o que quer". Isso leva a conflito, mas conflito não é tão importante quando o significado do conflito. Cenas que mostram um conflito, mas não o resultado desse conflito, as reações emocionais causadas por esse conflito, falham em conectar emocionalmente com o público. Assim a arte da trama envolve estruturar a ação e reação dos personagens para atingir o efeito emocional desejado.
Personagens se desenvolvem através de conflito, mas a tensão gerada pelo conflito não deve ser dissipada, pelo contrário, deve ser realçada e contextualizada na narrativa.
O ponto básico de uma trama é causa e efeito, uma cena leva a outra, dramatizando a busca do protagonista pelo seu objetivo. A antiga regra do "Mostrar ao invés de Narrar (Show, Don't Tell)" deveria ser mudada para "Dramatize, não Narre" (adorei essa dica, vou usar esses termos a partir de agora!).
Toda trama precisa de "rising conflict" ou um conflito crescente, um aumento progressivo da tensão e do conflito até o clímax da narrativa. Linda sugere uma tabela que divide cada cena, mostrando se o seu resultado é positivo, negativo ou neutro para o protagonista (dentro do contexto da narrativa). Ela exemplifica com os filmes Tubarão e Beleza Americana, mostrando que as cenas possuem mais resultados negativos do que positivos para os protagonistas, principalmente nos Atos I e Atos II desses filmes. Com mais resultados negativos, a trama desses filmes cria um conflito crescente, que leva a climaxes emocionantes.
Ela termina o livro descrevendo os problemas mais comuns que encontra em roteiros, expecialmente sobre Overplotting (ou excesso de Trama), onde os escritores enchem a narrativa de ação mas se esquecem das cenas de reação emocional.
CONCLUSÃO
Com seu foco nos aspectos emocionais da trama, The Art of Plotting oferece dicas e sugestões preciosas para ajudar a roteiristas e escritores a trabalhar suas narrativas e potencializar a experiência emocional de seus públicos. É um livro excelente, didático e prático, mas, como disse, mais voltado para quem já conhece alguns conceitos básicos de roteiros. Recomendadíssimo! ;)
É um livro curto, cerca de 208 páginas, mas bem cheio de conteúdo. Não é um livro para iniciantes, como ele foca na construção da trama, e principalmente, em técnicas de caracterização, muitos dos conceitos básicos de roteiro são apenas citados rapidamente.
Linda está focada na trama nesse livro, fornecendo idéias e sugestões de como o escritor pode manter a trama de sua história interessante, e principalmente, como fazer com que a trama provoque uma experiência emocional, ou melhor como fazer com que o público se conecte emocionalmente com sua história.
O livro é muito bem escritor e bem conciso, com vários exemplos tirados de filmes. Eu recomendaria assistir os seguintes filmes antes de ler o livro, grande parte das explicações depende do leitor conhecer bem esses filmes (e até mesmo ler os seus roteiros, existem muitos sites com arquivos de roteiros na internet):
Tubarão
Beleza Americana
Seven
O Feitiço do Tempo
Jerry Mcguire
Kill Bill
Erin Brockovich - Uma Mulher de Talento
O Piano
A Testemunha
(Esses são os principais, mas ela também usa muitos outros como exemplo).
O livro é dividido em nove partes:
1 - Os três requerimentos da Trama
2 - Trama: Evento e Emoção
3 - O Papel do Conflito
4 - Os Princípios da Ação
5 - Ferramentas de Criação de Tramas
6 - A Sequência da História
7 - A Verdadeira Arte do Planejamento de Tramas
8 - Problemas Comuns da Construção de Tramas
9 - Ferramentas para Análises de Roteiros
ALGUMAS ANOTAÇÕES QUE FIZ DURANTE A LEITURA
Para Linda, trama e estrutura narrativa estão completamente ligados. Quando se estrutura a história de um filme, o escritor trabalha a trama para descobrir qual é a melhor forma de contar a história, planejando as cenas, criando relacionamentos entre seus elementos, e desenvolvendo ação, diálogos, cenas e sequências e construindo o clímax da narrativa.
A verdadeira estrutura de uma história é mais do que os Pontos de Trama, os Pontos de Virada, Quebras de Atos ou outros elementos tradicionais de roteiro. Estrutura é a moldura para gerenciar e dar sentido a todos os elementos de uma narrativa - a ação, o conflito, os personagens, a exposição, o tema, o subtexto, etc. A estrutura cria o contexto para a relação desses elementos.
A estrutura de um roteiro não precisa ser complexa, pelo contrário, a maioria dos melhores filmes da história do cinema possuem estruturas simples e elegantes.
A criação de uma trama envolve colocar conflito e significado em cenas de exposição, suspense, revelação de personagem e exposição de emoções, para aumentar o envolvimento do público com o trabalho. O escritor busca por ações específicas que revele para o leitor como o personagem age e reage, intelectualmente e emocionalmente, e depois cria cenas específicas para avançar a ação, revelar personagem ou fazer exposição.
Ao construir uma trama, o escritor busca construir uma linha cara que mostra como uma ação leva à próxima ação, e assim por diante, de modo a construir uma corrente de eventos que flui de maneira coerente, natural e, ao chegar no clímax de maneira inexorável. Mas, ao mesmo tempo, o escritor deve buscar pela smaneiras mais interessantes, surpreendentes e emocionantes para conectar as cenas entre si.
A arte da trama é na verdade, a arte de criar relacionamentos entre as cenas para fazer com que os Story Points (os elementos mais importantes da história, as informações, as emoções e as ações mais importantes da história, os momentos marcantes e o significado da história) se tornem mais poderosos e significativo.
De uma forma geral, escrever um roteiro é um processo multifacetado. Primeiro você precisa de um plano geral que dá forma e significado ao material. O próximo passo é a estruturação das cenas para criar um caminho de ação e reação que constrói a tensão narrativa, o significado e a emoção.
As melhores tramas são construídas em cima de recompensas emocionais para o público, recompensas que são percebidas como reais e importantes. Porém, esse é o maior desafio de um roteirista, como e onde colocar a emoção em sua história. E o melhor lugar para as emoções é nas cenas de reações dos personagens em relação ao que aconteceu nas cenas de ações.
A reação emocional dos personagens aos acontecimentos de uma história é o melhor momento para criar a trama emocional da história e aumentar a conexão emocional com o público. Quando os escritores pulam as cenas de reação emocional dos seus personagens, pelo medo de diminuir a velocidade da narrativa, suas histórias correm o risco de perder a dimensão emocional ou o realismo. Como resultado, as emoções não são incorporadas efetivamente à trama da história, e os personagens se tornam superficiais e estereotipados.
Emoções servem para motivar os personagens e expandir o entendimento do público dos eventos da narrativa, ao mostrar como os eventos afetam internamente os personagens. Isso ajuda na empatia do público com a narrativa, um elemento essencial para criar e manter o interesse ao longo da história. O modo como os personagens reagem emocionalmente da significado para a narrativa.
Linda define "drama" como "um personagem que quer algo e age contra obstáculos para conseguir o que quer". Isso leva a conflito, mas conflito não é tão importante quando o significado do conflito. Cenas que mostram um conflito, mas não o resultado desse conflito, as reações emocionais causadas por esse conflito, falham em conectar emocionalmente com o público. Assim a arte da trama envolve estruturar a ação e reação dos personagens para atingir o efeito emocional desejado.
Personagens se desenvolvem através de conflito, mas a tensão gerada pelo conflito não deve ser dissipada, pelo contrário, deve ser realçada e contextualizada na narrativa.
O ponto básico de uma trama é causa e efeito, uma cena leva a outra, dramatizando a busca do protagonista pelo seu objetivo. A antiga regra do "Mostrar ao invés de Narrar (Show, Don't Tell)" deveria ser mudada para "Dramatize, não Narre" (adorei essa dica, vou usar esses termos a partir de agora!).
Toda trama precisa de "rising conflict" ou um conflito crescente, um aumento progressivo da tensão e do conflito até o clímax da narrativa. Linda sugere uma tabela que divide cada cena, mostrando se o seu resultado é positivo, negativo ou neutro para o protagonista (dentro do contexto da narrativa). Ela exemplifica com os filmes Tubarão e Beleza Americana, mostrando que as cenas possuem mais resultados negativos do que positivos para os protagonistas, principalmente nos Atos I e Atos II desses filmes. Com mais resultados negativos, a trama desses filmes cria um conflito crescente, que leva a climaxes emocionantes.
Ela termina o livro descrevendo os problemas mais comuns que encontra em roteiros, expecialmente sobre Overplotting (ou excesso de Trama), onde os escritores enchem a narrativa de ação mas se esquecem das cenas de reação emocional.
CONCLUSÃO
Com seu foco nos aspectos emocionais da trama, The Art of Plotting oferece dicas e sugestões preciosas para ajudar a roteiristas e escritores a trabalhar suas narrativas e potencializar a experiência emocional de seus públicos. É um livro excelente, didático e prático, mas, como disse, mais voltado para quem já conhece alguns conceitos básicos de roteiros. Recomendadíssimo! ;)
July 27, 2023
There was nothing I could employ.
The problem with this book is quite apparent--if you're already a writer--from the get go. She talks about how the book isn't made for the beginning writer, yet on countless pages (again and again), refers to things that would only be helpful to those who are just starting. The rest of the book, if you discount her method of detailing a scene-by-scene outline, which is only useful to those who don't already have their own, are points that should be said but never are--leaving only vague notions, which would actually be helpful if they existed, in their place.
Example: If she were to point out what the "professionals do", there is no detail as to what they actually do, only the statement of, "that's what separates professional writers from the beginner", with no actual example in context that separates the two. It might as well read: "Professional writers do amazing things while amateur writers do not," and leave it at that, because there is no account about what the professional writer does over the beginner in detail, just notions.
These statements--which are nothing at all--are continually used to try and reinforce her ideas as to what makes a conventional 3 act structure: action/reaction (no examples of comparison), wants/desires (no examples of comparison), tension/suspense (no examples of comparison), and so on. Granted, there are examples of how some of these actions work, but not how they're done in comparison to how they shouldn't be. It really isn't that helpful or stating anything that a million screenwriting books haven't already done one-hundred times over--and that was its biggest disappointment. I had to force my way to the end, hoping that there would be some great piece, or reminders, that I could use to help me kill myself through scripts, but it never appeared.
If I were to trim the fat off this book, because I do not want to talk about the fact she mistakes an actual act break with a midpoint in a few movies (Jaws is not 3 acts), it would come down to only these points:
The protagonist, whatever it may or may not be, must have conflict.
Tension and suspense will help move a story forward.
Values and beliefs are good for your characters.
Audiences relate more to emotional conflicts than ones involving explosions.
Hollywood likes 3 acts (and 4, just never correctly stated).
Even then, with all those cuts, do those things--which may seem obvious to you or I--feel as though they're something that a veteran or non-amateur would need to know? Well, that's what's said over and over, so get ready.
The problem with this book is quite apparent--if you're already a writer--from the get go. She talks about how the book isn't made for the beginning writer, yet on countless pages (again and again), refers to things that would only be helpful to those who are just starting. The rest of the book, if you discount her method of detailing a scene-by-scene outline, which is only useful to those who don't already have their own, are points that should be said but never are--leaving only vague notions, which would actually be helpful if they existed, in their place.
Example: If she were to point out what the "professionals do", there is no detail as to what they actually do, only the statement of, "that's what separates professional writers from the beginner", with no actual example in context that separates the two. It might as well read: "Professional writers do amazing things while amateur writers do not," and leave it at that, because there is no account about what the professional writer does over the beginner in detail, just notions.
These statements--which are nothing at all--are continually used to try and reinforce her ideas as to what makes a conventional 3 act structure: action/reaction (no examples of comparison), wants/desires (no examples of comparison), tension/suspense (no examples of comparison), and so on. Granted, there are examples of how some of these actions work, but not how they're done in comparison to how they shouldn't be. It really isn't that helpful or stating anything that a million screenwriting books haven't already done one-hundred times over--and that was its biggest disappointment. I had to force my way to the end, hoping that there would be some great piece, or reminders, that I could use to help me kill myself through scripts, but it never appeared.
If I were to trim the fat off this book, because I do not want to talk about the fact she mistakes an actual act break with a midpoint in a few movies (Jaws is not 3 acts), it would come down to only these points:
The protagonist, whatever it may or may not be, must have conflict.
Tension and suspense will help move a story forward.
Values and beliefs are good for your characters.
Audiences relate more to emotional conflicts than ones involving explosions.
Hollywood likes 3 acts (and 4, just never correctly stated).
Even then, with all those cuts, do those things--which may seem obvious to you or I--feel as though they're something that a veteran or non-amateur would need to know? Well, that's what's said over and over, so get ready.
January 27, 2019
Well explained concepts illustrated with great examples. This is primarily intended for screenplay creators, but applicable to any writer who wants to make an emotional connection with readers. I recommend it, particularly if you enjoyed American Beauty, Erin Brockovich, or Jaws.
February 12, 2020
A serious book
July 28, 2013
I've read lots of books about story telling, and I found many of the common ideas repeated here.
It's still a solid book about the emotional impact of plotting, i.e. creating active characters with strong needs, a troubled past and a will to overcome their challenges.
The author explains how to make your audience care for the protag, how to create meaningful drama and
establish a plot that compels.
If you want a basic primer on plotting, this is a rock-solid starting point.
January 10, 2012
Filled with information that every writer should read again and again. My book has bits underlined on every page, things to go back to when creating the construction of a narrative, especially how it acts to manipulate your reader or audience.
While utilizing extensive film examples and tips, the book is great for anyone crafting either a story for the screen or the plot of a novel.
While utilizing extensive film examples and tips, the book is great for anyone crafting either a story for the screen or the plot of a novel.
January 20, 2022
ربما هو واحد من أفضل إن لم يكن أفضل كتب تعليم كتابة السيناريو المتقدمة ال��ى قرأتها خلال أخر 10 سنوات، كتاب فعلا وبكل صراحة مرجعى وموسوعي رائع، ليندا كاوجيل المؤلفة اجادت ولا اروع فى شرح أليات وأسرار الكتابة السينمائية الهوليوودية، كتاب أكثر من رائع وارشحه لأى مهتم حقيقي بالكتابة السينمائية بل وحتى الأدبية.. رائع رائع رائع
December 31, 2015
A good, general book for Screenwriting and one that many novelists will find useful for story structure purposes.
One of the best things about this book is that it is short and to the point.
Rating: 4 out of 5 stars.
One of the best things about this book is that it is short and to the point.
Rating: 4 out of 5 stars.
August 14, 2011
not a good intro to screenwriting, but still learned a lot. had to push myself to get through it at times, though.
Read
March 26, 2017مفيد جدا ... بدأت احلل اي مسلسل او فيلم من وجهة نظر اخرى !
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