Obra Abierta

by Umberto Eco

La musica seriale, Joyce, la letteratura sperimentale, la pittura informale, l'arte cinetica, le strutture temporali della ripresa televisiva diretta, il nouveau roman e il film dopo Antonioni e Godard, le applicazioni della teoria dell'informazione all'estetica: da una serie di punti di vista diversi emerge una visione dell'arte contemporanea e dei modelli conoscitivi che essa propone, offrendosi come una sorta di "metafora epistemologica" che procede, con mezzi autonimi, a una definizione del mondo affine a quella delle nuove metodologie scientifiche. Apparso all'inizio degli anni Sessanta questo libro ha nutrito le polemiche culturali degli anni successivi, proponendo un approccio estetico non tradizionalmente "umanistico", basato su una dialettica serrata fra i temi critico-filosofici e quelli scientifici. "Opera aperta" rimane ancora oggi un punto di riferimento per una discussione sulle tecniche linguistiche e sul ruolo ideologico delle avanguardie artistiche del Ventesimo secolo, dalle avanguardie "storiche" a quella "neoavanguardia" di cui è la summa teorica più provocatoria e al tempo stesso più distesamente critica.

Genres: Philosophy, Nonfiction, Art, Essays, Theory, Literature, Criticism

419 pages, Hardcover

First published January 1, 1962

About the author

Umberto Eco was an Italian medievalist, philosopher, semiotician, novelist, cultural critic, and political and social commentator. In English, he is best known for his popular 1980 novel The Name of the Rose, a historical mystery combining semiotics in fiction with biblical analysis, medieval studies and literary theory, as well as Foucault's Pendulum, his 1988 novel which touches on similar themes.

Eco wrote prolifically throughout his life, with his output including children's books, translations from French and English, in addition to a twice-monthly newspaper column "La Bustina di Minerva" (Minerva's Matchbook) in the magazine L'Espresso beginning in 1985, with his last column (a critical appraisal of the Romantic paintings of Francesco Hayez) appearing 27 January 2016. At the time of his death, he was an Emeritus professor at the University of Bologna, where he taught for much of his life. In the 21st century, he has continued to gain recognition for his 1995 essay "Ur-Fascism", where Eco lists fourteen general properties he believes comprise fascist ideologies.

Reviews

[فايز غازي Fayez Ghazi · Rating 3 out of 5]

- أتت قراءة هذا الكتاب ضمن مشروعين، اقربهم هو الشروع بقراءة عميقة لجيمس جويس، ومعظم هذا الكتاب يدور حول تحليل كتاباته والنقلة النوعية التي احدثها جويس في الأدب واللغة ذاتها.

- رغم ان الكتاب يزيد عمره عن نصف قرن، ورغم ان الترجمة كانت جزئية ولم تكن للكتاب بكامله ورغم انها اتت ثقيلة ومربكة جداً وكثيرة الأخطاء الا انه كتاب مهم جداً يشرح "الأثر المفتوح" مشرّحاً لكتابات جويس ومعلقاً على تفصيلاتها ومفاصلها الأساسية التي احدثت ثورة في الأدب واللغة فيما بعد. وإستطراداً لا بد من ترجمة جديدة لهذا الكتاب لا لثقل الترجمة الحالية فقط، بل لتغيّر الزمان والتطور الذي حصل في مفهوم الترجمة ذاته.

- امبرتو إيكو يأخذ دور المعلّم الناقد في هذا الكتاب، وهو معلّم عظيم بقدر ما هو كاتب عظيم، وهو يشرح طريقة "الأثر المفتوح" في صناعة الفن، وهذا الأثر يمكن معاينته في الموسيقى والأدب والرسم. يأخذ إيكو اعمال جويس كهيكل او إطار او عيّنة لدراسته ويبدأ بإستنطاقها محوّلاً الإبداع الفني الأدبي الى لغة اكادمية يمكن متابعتها وتمحيصها ومقاربتها.

- معظم فصول الكتاب تخلص الى نتيجة واحدة: إشراك المتلقي في تكملة العمل ( تترك الحرية للموسيقي في عزف النوتة بهامش، وللقارئ في تحليل النص وتأويله،...)، وبذلك لم يعد تحليل النص يعني تفكيكه لفهم كنهه بل استخلاص الإحتمالات منه وتأويلها مما يفتح العمل الأدبي على الكثير من المقاصد والمعاني والدلائل.

[Emilio Berra · Rating 4 out of 5]

L'arte attraversa il tempo

Questo libro molto interessante di U. Eco risulta di grandissima importanza chiarificatrice per accostarci ad un'opera letteraria e all'arte in generale, consentendoci nuove prospettive di interpretazione.
Mi pare che l'autore accolga sostanzialmente l'importante contributo di B. Croce, per il quale l'arte abbraccia il tutto e riflette in sé il cosmo, pur partendo da un' esperienza strettamente individuale.
Su questa base, Eco sviluppa un discorso innovativo attingendo alla propria vastissima cultura e rielaborando idee, i cui esiti lo portano ad affermare che ogni opera, che raggiunga livelli artistici, è un' 'opera aperta', tanto "che ad ogni fruizione non risulta mai uguale a se stessa" ; 'aperta' quindi sempre a nuove possibili interpretazioni, anche da parte del medesimo fruitore. Fondamentale pertanto il concetto di 'ambiguità' dell'arte. Di qui il valore delle riletture e delle rivisitazioni.

Diventa evidente la netta differenza fra 'messaggio poetico' , caratterizzato dalla trasmissione anche emotiva derivante da una data 'forma' inalterabile (la cui eventuale modifica muterebbe il messaggio stesso o annullerebbe la sua portata artistica) e il semplice 'messaggio informativo' (tipico della saggistica e del giornalismo) totalmente basato sulla univoca trasmissione di un contenuto, non alterabile da eventuali mutamenti espressivi.
Solo nell'arte quindi forma e contenuto sono del tutto inscindibili.

[Uroš Đurković · Rating 4 out of 5]

Do ove važne knjige se teže dolazi nego što bi to neko očekivao. Meni je pripao raskupusani primerak iz Biblioteke grada Beograda, koji ima svoje čari. Praćenje nečijih podvlačenja je knjiga u knjizi – olovka radi svoje. Korisnici biblioteka koji ostavljaju beleške, koliko god me to nekada nerviralo, predstavljaju utvarne urednike i čine svaku knjigu jedinstvenom. 

I tamo gde su ideje ostarile ili, što je daleko bolja opcija, gde su postale podrazumevane, zadivljujuće je i večno sveže Ekovo sveznanje koje ne pokriva samo komunikološka i estetička pitanja, već i bitnike hipstere (196), vezu zen budizma i Vitgenštajna (209) i izuzetno temeljno čitanje Džojsa, koje ne treba da promakne proučavaocima. 

Pitanje je šta je ostalo danas od ideje otvorenog dela? Ona je istovremeno i osvežavajuća, revolucionarna, ali i podrazumevana, obična. Koje delo, zapravo, nije otvoreno? Ukoliko nije, onda nešto ne funkcioniše. Osnov svakog dela, bez obzira na medij je komunikacija, razmena. A ona može da bude ostvarena na različite načine i stepen razmene može biti različit. U ekstremnim primerima, sam recipijent je stvaralac, dok u svim ostalima susret sa delom podrazumeva oblike reagovanja koji postoje samo u susretu s delom. I to je poznata fenomenološka priča. Međutim, ono što je važan Ekov dodatak, a što se i u našoj književnoteorijskoj sredini prihvatilo jeste veza otvorenog dela sa enciklopedizmom i epistemologijom: „Umjetnost više nego da saznaje svijet proizvodi komplemente svijeta, autonomne oblike koji je nadovezuju na one postojeće...ˮ (47). Ko ovo nije osvestio, ostaje uskraćen za izuzetno važan horizont razumevanja umetnosti XX, ali i XXI veka. 

Prevod je simpatično ostario: vidi se kako neki termini još nisu ustaljeni. Dužnost prevodioca je i uspostavljanje pojmovnog aparata. To nije mala stvar.

[Özgür Atmaca · Rating 3 out of 5]

Uzun süredir elimde, çantamda, masamda geziyor. Umberto okuma sürecimin her birkaç ayında gelip listelerime bir şekilde giriyor ve hep kendi tadıyla farkıyla gidiyor fakat açık yapıt epey bir akademik dile sahip, yine de anlaşılmayan bir durumu yok. Dil kökleri, anlatım biçemleri, yazının, yazma tekniğinin, harflerin, seslerin, anlamın ve kaleme ait ne varsa en teknik anlatımla sunulmuş. Zorladı ama okuttu.

[joshua caleb · Rating 5 out of 5]

absolutely without question the best book I read all summer.

It is a difficult book to get through, but only because every page has at least one, if not twenty, ideas that you would want to think about for the rest of the the day, week or month.

I loved it and everyone should read it.




joshua

[Fuad Takrouri · Rating 5 out of 5]

ليس من السهل تلخيص فكرة هذا الكتاب على الرغم من أهميته...
فالأثر المفتوح لا يتوقف فقط على الأعمال الأدبية،بل وهناك الكثير من الأعمال حتى الموسيقية يمكن تطبيقه عليها.
بلا شك تعرض الكاتب في هذا الكتاب الصادر في فترة زمنية ليست بالقصيرة،لأمثلة عديدة،واستطاع فعلاً البحث عما يدعم نظريته..
في فترة ساد فيها الكثير من النظريات الأدبية التي شملت معظم أدبيات ذلك الزمن.

"لقد رأينا أن الآثار "المفتوحة" والمتحولة تتميز بالدعوة إلى إنتاج الأثر مع المؤلف.وقد لاحظنا وذلك على مستوى أوسع ،أن نمطاً من الآثار بالرغم من أنها كاملة مادياً تبقى مفتوحة على توليد دائم لعلاقات داخلية يجب على كل واحد منا اكتشافها واختيارها أثناء التصور نفسه ،وبصفة عامة رأينا أيضاً أن كل أثر فني بالرغم من كونه ضمنياً أو ظاهرياً إنتاجاً لشعرية الضرورة ،يبقى مفتوحاً على سلسة لا منتهية من القراءات الممكنة ،وكل قراءة من هذه القراءات تعيد إحياء الأثر وفق منظور أو ذائقة أو "تنفيذ" شخصي"

من المصطلحات الكثيرة والأدوات العديدة والمفاهيم والإجراءات التي نحتاجها لقياس مفهوم انفتاح النص يتعرض لها امبرتو ايكو في هذا الكتاب.

"كل أثر فني حتى وإن كان مكتملا ومغلقا من خلال اكتمال بنيته المضبوطة بدقة، هو أثر "مفتوح" على الأقل من خلال كونه يؤول بطرق مختلفة، دون أن تتأثر خصوصيته التي لا يمكن أن تختزل، ويرجع التمتع بالأثر الفني إلى كوننا نعطيه تأويلا ونمنحه تنفيذا. ونعيد إحياءه في إطار أصيل"

[Armagan (any pronouns) · Rating 5 out of 5]

it was perfect and so exciting to read.
if you are interested in art creation and appreciation, you possibly will enjoy it very much.

[Gerardo · Rating 5 out of 5]

Un approccio all'arte che, nonostante siano passati più di cinquant'anni, è ancora originale e innovativo, a testimonianza del fatto che gran parte della cultura italiana, soprattutto quella letteraria, non è ancora riuscita a far tesoro della grande lezione di Eco.

L'obiettivo principale di questo testo è quello di spiegare un certo modo di fare arte, individuabile all'interno di alcune opere letterarie, musicali, pittoriche del Novecento. Ma, attraverso l'analisi di queste poetiche ben individuabili storicamente, Eco riesce a proporre una teoria di analisi delle opere artistiche che vada ben oltre il contesto da lui analizzato.

Riprendendo gli studi della cibernetica, l'informazione è quell'insieme di dati che ricaviamo da strutture che ci donano cose che prima non potevamo sapere. Cioè, quando riceviamo una quantità di dati che prima non era calcolabili. Ma, allo stesso tempo, affinché questi dati siano comprensibili, è necessario un certo quantitativo di ridondanza, cioè di strutture di cui è prevedibile l'esito. Il linguaggio, in sostanza, cerca di trasmettere nuove informazioni partendo da alcune strutture che si ripetono. La differenza tra informazione e ridondanza ci permette di calcolare il grado di originalità del messaggio. La ridondanza, però, non può essere annullata: se così fosse, l'eccesso di informazione si trasformerebbe in rumore, poiché verrebbe a mancare qualsiasi strutture ordinatrice capace di rendere il messaggio recepibile.

Per tale motivo, ogni artista parte da strumenti dati per poterne ricavare nuove informazioni, alla ricerca di nuove possibilità d'espressione delle strutture ridondanti. In sostanza, il linguaggio artistico mette in crisi il linguaggio codificato, fondandone uno nuovo capace di esprimere una maggiore quantità di informazioni. Per tale motivo, è importante la presenza dello spettatore: infatti, quest'ultimo, partendo dalle sue conoscenze pregresse, è capace di apprezzare o meno l'originalità di una determinata opera.

Lo spettatore, insomma, realizzerebbe le potenzialità dell'opera, sintetizzando tutti i suoi possibili risvolti di senso nel proprio atto percettivo e di riflessione. Per tale motivo, è sempre necessaria la presenza di uno spettatore affinché ci sia questa sintesi, questa messa in collegamento dei molteplici piani di senso dell'opera. Inoltre, la memoria dello spettatore permette di analizzare l'opera anche da un punto di vista connotativo: infatti, se ci limitasse alla lettera, ci sarebbe solo un trasferimento di dati connotativi, non capaci di esprimere un alto valore informativo. La memoria, mettendo a confronto quelle strutture con esperienze passate, permettono di rievocare alcuni elementi percettivi che risvegliano sensazioni sopite, andando ad aumentare il significato dell'opera ben oltre la sua semplice lettera e materialità. Alla luce di ciò, l'esperienza artistica ha sempre un certo grado di soggettività.

La differenza tra l'opera in generale e le opere analizzate da Eco è che le prime mettono in crisi il vecchio codice per fondare un nuovo tipo di linguaggio, proponendo però un pensiero definito nelle sue parti. Invece, le nuove poetiche oltre che a mettere in crisi i vecchi codici, cercano di rappresentare la crisi stessa: l'ambiguità non è più conseguenza, ma tema stesso. La forma artistica, quindi, cerca di rappresentare tale visione della realtà. La forma diviene una metafora epistemologica. In sostanza, la nuova arte cercherebbe di dare forma alle teorie dell'indeterminazione sviluppatesi in campo scientifico. Tuttavia ciò non significa che ci sia una stretta correlazione tra le teorie scientifiche e le loro rappresentazioni artistiche: la scienza è ispirazione, ma l'arte procede su di un binario autonomo.

I saggi raccolti propongono all'inizio una teoria generale, successivamente si concentrano su alcuni casi particolari: musica, pittura, letteratura, televisione, cultura. In sostanza, si mostra come in queste opere si lasci molto spazio allo spettatore, che quasi ha il compito di completare l'opera. Non c'è più la possibilità di decifrarla, ma solo di ricavarne la polisemia e l'indeterminatezza. Le nuove opere aprono a un campo di possibilità, non più a delle semplice linee.

Importante l'ultimo saggio (prima dell'Appendice): reinterpreta il concetto di alienazione, affermando che l'uomo, da sempre, entra in simbiosi con gli oggetti di cui si serve, modificando il proprio modo di essere e fare. Questo perché ogni nuovo strumento viene creato partendo da una visione del mondo e dell'agire umano, la quale viene realizzata attraverso il prodotto. Perciò, esiste sempre un certo grado di alienazione: ogni epoca viene condizionata dagli strumenti in suo possesso. Il problema nasce quando lo strumento viene imposto, senza che il soggetto abbia modo di decidere di cosa farsene dello strumento. Anche in ambito artistico accade lo stesso: lo sviluppo di nuove tecniche di composizione condiziona l'operato degli artisti: o se ne distaccano, proponendosi come avanguardia, o le abbracciano, proponendosi come maniera. Tutti, però, partecipano al tentativo di creare informazione partendo da strumenti dati ridondanti. C'è chi ci riesce e chi no.

Tali teoria vengono espresse in maniera più approfondita e più generale in "Lector in fabula" (parlando solo del caso letterario), ma tale testo chiarisce alcuni punti espressi nel titolo successivo.

[Matthew · Rating 4 out of 5]

The Open Work by Umberto Eco is a collection of his early essays. Six of the 11 chapters are from the Italian collection Opera Aperta originally published in 1962, while the others are from the collections Apocalittici e integrati and La Struttura Assente published later that decade.

The essays in the collection focus primarily on the insistence of multiplicity and ambiguity in art, and the role of the reader/audience in co-creating the meaning of art along with the artist. Eco's position is against absolutism in all its forms, including dogmatic structuralism, in favor of the celebration of the process of seeking meaning individually and collectively, while keeping in mind that meaning is contingent and impermanent by its very nature.

The introduction by scholar David Robey sums up this position by closing with a quote from William of Baskerville from Name of the Rose, "...the only truth lies in learning to free ourselves from the insane passion for the truth."

[Masalcı · Rating 4 out of 5]

Bu kitabı çevirmek için bu kadar acele etmeseydiniz keşke. #canyayinlari

[Tyrone_Slothrop (ex-MB) · Rating 5 out of 5]

Il primo lampo del genio

Questo testo di Eco, scritto a soli 30 anni, mantiene intatta la genialità delle intuizioni e la freschezza espositiva - leggere un libro di Eco è come salire su un ottovolante del pensiero: le accelerazioni a volte divengono estreme, ma mantengono un fascino irrestibile e, alla fine, si rimane quasi frastornati dalla bellezza e dalla novità delle idee.
Già l'incipit è fantastico: Eco ebbe l'idea di questa trattazione quando lavorava in RAI e al piano di sopra aveva come collega Luciano Berio, con il quale discuteva di filosofia estetica e musica dodecafonica - e viene da pensare a cosa era la RAI degli anni '60 e cosa è la RAI di oggi...

Ancora oggi molte idee esposte restano attuali e di impatto - ce ne sono davvero parecchie, ma tra le più fondamentali credo resti la rivoluzionaria (almeno in Italia) capacità di leggere le innovazioni artistiche alla luce delle evoluzioni scientifiche, non con superficiali analogie o per produrre slogan vuoti (come si fa sciattamente oggi), ma riflettendo su come il progresso di conoscenze nei campi delle scienze comporti una modifica del pensiero dell'uomo e, quindi, anche della sua creatività artistica e dei suoi modi di espressione. Una sacrosanta critica alle stantie e retrograde posizioni di Croce (o, meglio, dei suoi scarsi epigoni) che per ben troppo tempo hanno rovinato la cultura italiana (e non solo quella).

Ma molti altri passaggi di grande spessore e immutata rilevanza devono essere ricordati, specie per comprendere il senso di molta arte contemporanea:

il primo discorso che un’opera fa, lo fa attraverso il modo in cui è fatta

"occorre da un lato che l’opera sia veramente una forma, che essa designi un senso incerto, non un senso chiuso”. In questo senso dunque la letteratura (ma noi diremmo: ogni messaggio artistico) designerebbe in modo certo un oggetto incerto.

sul piano più letterario (che alla fine non occupa moltissimo spazio in realtà) da ricordare le meravigliose pagine dedicate a Joyce, come ben argomentato da Fedriga in postfazione,

il tomismo di James Joyce, sfrontato, eretico e bruniano, diventa per Eco l’emblema dell’apertura estetica intesa come consapevole e simultaneo godimento/fruizione del passaggio da un universo ordinato – retto da regole, gusti e pratiche considerati sempiterni e quindi imprescindibili – alla contemplazione della sua trasformazione in un indeterminato disordine.

ma da notare anche l'intuizione per cui
non sarà azzardato ritrovare nella poetica dell’opera “aperta” (e più ancora dell’opera in movimento), dell’opera che a ogni fruizione non risulta mai uguale a se stessa, le risonanze vaghe o precise di alcune tendenze della scienza contemporanea .

nel rifiuto dell’intreccio si attua il riconoscimento del fatto che il mondo è un nodo di possibilità e che l’opera d’arte deve riprodurne questa fisionomia

E non si può non riconoscere qui la capacità predittiva del grande intellettuale che sembra già descrivere molte opere successive, dall'Oulipo di Perec e Queneau, ai testi più moderni di Calvino, fino a Cortazar e Borges in Sud-America e Pavic in Europa dell'Est.


Le pagine più teoriche sono altresì ricche e fertili, come in questi passaggi dove teoria dell'informazione, statistica ed estetica sono messe in dialogo fruttoso:

il discorso poetico è plurisenso, non univoco come il discorso scientifico, proprio per la sua natura organica e contestuale.

uno degli elementi di singolarità del discorso estetico sia dato proprio dal fatto che viene rotto l’ordine probabilistico del linguaggio, atto a veicolare significati normali, proprio per accrescere il numero dei significati possibili.

oscillazione pendolare, si è detto, tra un sistema di probabilità ormai istituzionalizzato e il puro disordine: organizzazione originale del disordine. Questa oscillazione, per cui l’accrescersi di significato comporta perdita di informazione e l’accrescersi di informazione comporta perdita di significato

Meravigliosa anche la sezione sullo Zen, in cui viene inclusa anche una riflessione su Wittgenstein con analisi acute e profonde


E' importante infine notare che la struttura stesso del saggio è originale ed innovativa, non solo il contenuto: Eco costruisce il testo come raccolta di saggi quasi eterogenei che sembrano affrontare tematiche diverse, ma che, in poche parole, sono ricondotti ad aggiungere elementi al tema principale - una struttura contemporanea di saggio in cui, a ben vedere, Eco coerentemente adatta la forma della sua Opera ai principi di forma estetica che argomenta nel testo.
E quindi si può dire con convinzione e stupore che "Opera Aperta" è, anche in sè, un'Opera Aperta - e raramente un'opera è stata così perfettamente dimostrazione di se stessa.

Ottima la nuova edizione del testo, in cui viene discussa la genesi e le successive edizione del testo (in particolare la versione del 1967 con le nuovi parti di Eco) - preziosa e approfondita la postfazione di Fedriga, molto utile per cogliere anche gli aspetti formali e strutturali del testo stesso.
(quella di Eco è) un’attività prettamente editoriale, non accademica, che si adatta perfettamente all’intento che muove Opera aperta. Una molteplicità di saggi riuniti intorno a un tema che si risitua con il variare dei saggi, e che si rivelerà essere non una decisione estemporanea ma una prassi

forse il messaggio finale e più pregnante, quello in cui forse si può riassumere l'idea fondamentale di Eco è questo - parole che andrebbero ricordate e ripetuto ogni qualvolta ci si approcci ad un'opera d'arte contemporanea:

vero contenuto dell’opera diventa il suo modo di vedere il mondo e di giudicarlo, risolto in modo di formare, e a questo livello andrà condotto il discorso sui rapporti tra l’arte e il proprio mondo

[Guilherme Paes · Rating 5 out of 5]

Livro foda, absurdo, essencial, inescapável!

[Jaqueline · Rating 3 out of 5]

3.5 :) ler umberto eco é sempre um acalento

[Ana · Rating 4 out of 5]

Art, in large part, is basically a call and response. Lovingly explained. I really enjoy Eco's metaphors and his intimacy of style.

[Preetam Chatterjee · Rating 5 out of 5]

#Binge Reviewing my previous Reads # The most “difficult” works ever written

When I first turned the pages of Umberto Eco’s *The Open Work*, the effect was startling: it felt like the author had carved a crack in the frame of art itself, letting in ambiguous light, multiple voices, possible futures. In the distance I heard echoes of ancient Indian thought, of the Upanishadic sages whispering *“Tat Tvam Asi”* — “That thou art” — a Mahāvākya affirming countless identities in unity. The *Open Work* insists that any work of art is similarly alive: never quite closed, always in the process of becoming through its audience, its interpreter, its context. Eco does not merely theorize openness. He summons it.

Eco’s notion of openness is not chaos but tension: between control and chance, between authorial intention and interpretive freedom, between structure and variation. He uses examples from modern music (Stockhausen, Boulez), avant-garde literature, drama, visual art—works that allow or even demand the performer, the reader, the viewer to complete or re-shape them. The work is offered, but not fixed. It remains unfinished in vital ways.

Yet this openness is not license for anything to go; it is controlled openness. The artist designs slots, thresholds, indeterminacies; the reader or spectator enters, fills, shifts. For Eco, an open work expands resonance and echo without destroying the identity of the work: “the form of the work of art gains its aesthetic validity precisely in proportion to the number of different perspectives from which it can be viewed and understood.”

In reading this now, I’m haunted by the Vedic hymn: “Let noble thoughts come to us from all sides” (Ṛg Veda). Just as the Vedas invite multiplicity of thought, Eco invites multiplicity of perception. A truly open work is one from which many trajectories emanate; trajectories not pre-dictated but permitted, shaped by what is given.

And yet it has its limits—edges, rules, authorial frame. Because Eco insists that openness is meaningful only when there is some measure of constraint; when the openness does not erase the work’s specificity. The poet or composer does not simply abdicate but orients. The openness is “world intended by the author,” even if mediated through performance.

I think about Shakespeare: Prospero’s art, in *The Tempest*, conjures illusions, actors, spirits; then he says *“This rough magic I here abjure”*. There is an echo here: magic, art, illusion—that wonderful ambiguity Eco celebrates—and yet Prospero must eventually draw boundaries. To create, and to let go. To permit illusion and authorize its end. Eco’s open work is similarly magical; but the magician doesn’t vanish. The frame remains visible even as the spectacle shifts.

Milton’s voice resonates, too. In *Paradise Lost*, when he writes, *“Which way I fly is Hell; myself am Hell”*, Satan voices the idea that the condition of self is both site of oppression and rebellion; as though outward constraints echo inward ones. Eco’s works teach us that interpretation is never just external; how we receive shapes what the work becomes.

The work is open in space, in time, in perception. Yet those openings risk being traps if there is no structure. Because unbounded openness is equally totalitarian: chaos masquerading as freedom. Eco’s power is in the balance—controlled indeterminacy.

At several points, Eco draws attention to how in modern times the openness of the work mirrors social openness and uncertainty. Traditional works were closed: fixed narrative, fixed form, clear codes. But modernity, with its scientific revolutions, its quantum indeterminacies, its relativities, its experiments, demands art that reflects its own indeterminacies. The open work becomes not merely a style but a condition.

The spectator is no longer passive. The reader is no longer simply recipient of meaning—they must participate, choose, interpret, even err. And every error becomes a mode of becoming. Just like Upanishadic wisdom that the Self sees itself in all beings, that *Atman is Brahman*, so in *The Open Work* the reader sees parts of themselves, worldviews, histories refracted in the work.

I remember walking through a gallery once, encountering an installation that invited audience movement; shadows shifted; what one saw depended on where one stood. That kind of spatial-participation is what Eco anticipates. Like the Kena Upanishad’s teaching: *“That which cannot be expressed by speech, but by which speech is expressed — That alone know as Brahman and not that which people here worship.”* The unsayable, the condition of speech, the frame that makes variation possible – Eco’s open work plays in those spaces. The silence between notes; the blank spaces between words; the unspoken possibilities.

Yet the invented openness has demands. Eco is insistent: if a work is open, its openness must be designed; there must be structure that allows indeterminacy without collapse. Otherwise the work ceases to be itself. It risks being mere formlessness. He calls this “controlled disorder.” It’s like designing a garden so wild that butterflies multiply, but still knowing where the paths lie. Or like the open grammar of Pāṇini: his sutras permit massive generativity, but within system. His grammar is enormously generative; yet one cannot arbitrarily violate the rules and still be speaking Sanskrit. That mix of freedom and constraint, that generative precision, is what Eco’s open work aspires to in art.

In one passage, Eco notes that in a musical open piece, the composer gives groupings or modules from which the performer can choose ordering, tempo, emphasis. The composer anticipates many possible performances.

Each actual performance completes the work. But no performance exhausts it. So every realization is both fulfillment and novelty. Much as in Indian ritual, where the Vedas are recited but each recital, each voice, each listener modifies the dimension of meaning. The sound is the same, but the echo in the heart differs. Or as a Shakuntala could be performed in many theatres, by many voices, each breathing new life into the text. The actor who plays King Lear in 21st century Kolkata brings different inflections, histories, class, accent, politics, and the play changes—but Lear remains Lear.

Shakespeare in *King Lear* says, “Nothing will come of nothing: speak again.” Lear demands essence, demand meaning. Eco’s open work says: there is something in nothing, because “nothing” or silence, blankness, indeterminacy is itself pregnant with potential. We don’t need fullness to mean; sometimes gaps do more work.

Sometimes what is not said, the pauses between movements, the intervals between musical phrases, the blank spaces in a poem have meaning precisely because they are gaps. Shakespeare’s Prospero elsewhere, in *The Tempest*, when he watches his creations and illusions, all “actors … melted into air, into thin air”—yet, even melted, they leave shadow, possibility. So the open work leaves traces, residues, shadows of series of possible forms.

The power of *The Open Work* feels especially alive in our global moment. In a world of streaming platforms, remix culture, user-generated content, fan fictions, virtual reality installations, interactive art, augmented reality, we live inside openness.

The frame, the software, the app, the algorithm — these are the boundaries. Within them, users, readers, viewers, players complete the work. Eco was ahead of his time: he sees that the author’s intention cannot be the only arbiter of a work’s identity; that historical, cultural, perceptual contexts matter. Yet he will not let the author vanish. The author is designer of possibilities, not tyrant of meanings.

I reflect on a Vedic phrase: “Vasudhaiva Kutumbakam” (“the world is one family”) from the Mahā Upanishad. This teaching embraces openness: recognition that difference is part of wholeness. Eco’s work is an aesthetic reflection of that: different interpretations, different perspectives, different times, different cultures—all belonging to the life of the work.

The open work does not fragment identity; it affirms multiplicity as belonging, as participation. In Eco’s model, a poem, a painting, a musical score, even a film, is like that world-family: its possible manifestations are many, yet each participates in the same being of the work.

Milton’s solemn voice in *Paradise Lost*—“What in me is dark illumine, what is low raise and support” — could serve as a prayer poster for Eco’s artist. The desire to illuminate what is left in shadow; to raise what is held down; to support ambiguity rather than flatten it. The open work invites us to attend to what’s low, hidden, devil-ish, marginal. Not to remove difference, but to make difference audible, visible, meaningful. Milton asks us to bear the darkness; Eco’s open work shows that darkness is not just absence but space for possibility.

Sometimes the open work also reveals its own limits. The audience might misunderstand, misploit, misappropriate. Interpretive abuses happen. Translations, remixes, adaptations can toss the work away from its world of origin. Eco knows this risk. He insists on the “world intended by the author” — that although many completions are possible, they must lie within fields the author has shaped: motifs, tones, openings, constraints.

The intention doesn’t fix a single meaning, but it frames many. Without frame, the openness becomes noise. Without openness, the frame becomes tyranny.

When I think of Eco as a young scholar, reading him felt like entering a labyrinth of mirrors: every reflection slightly different. I felt exhilarated and anxious: what if my reading is “wrong”? But that was the point: Eco makes us live with the risk, with the indeterminacy.

With openness we’re asked to accept that a work’s meaning is never final; it lives beyond us, beyond its first author. Each reading, each performance, each translation, each adaptation renews it. And sometimes, unexpectedly, the renewal reveals tensions between cultures. An Indian staging of Beckett, or a Bollywood adaptation of Shakespeare, or an open-ended film shown on TikTok — all illustrate that a work has lives I may neither foresee nor control.

It reminds me of the Upanishadic line: “You are what your deep, driving desire is. As your desire is, so is your will. As your will is, so is your deed. As your deed is, so is your destiny.” (Brihadaranyaka IV.4.5) — the reader’s desire shapes the reception; will shapes interpretation; deed is performance; the destiny is the life of the work. And the work’s openings are not empty; they are full with those desires, wills, deeds.

Eco also deals with the dialectic of completeness and incompleteness. A closed classical work aims for a finished form; an open modern work accepts incompleteness as part of its identity. This sounds like Milton’s invocation in *Paradise Lost*—“they also serve who only stand and wait.” The open work sometimes waits: for interpretation, for performance, for context. It may sit unfinished, or await its audience, or even its future audience. That incompleteness doesn’t shame it; it dignifies it.

The aesthetics of the open work thus becomes ethics. How one treats interpretation, how one marshals openness, how an artist frames constraints—these are moral choices. Just as the Upanishads draw attention to the hidden inner self, to the heart where “the little space within the heart is as great as the vast universe” (Upanishads) — so Eco asks: what is the inner space of the work, its heart of openness? The one which houses many universes of meaning? That space matters; how one honours it matters.

Toward the end, I believe *The Open Work* functions less like a theory to master and more like a ritual to live. It teaches us to embrace ambiguity; to see authorship as partial; to see art, literature, music as dialogues across time, culture, perception. It makes us tremble before the frame, and with gratitude before the gaps.

In the end, the open work invites a community: readers, viewers, interpreters, artists—they become co-creators without replacing the origin. Like Shakespeare’s famous line, “We are such stuff as dreams are made on” (*The Tempest*) — our interpretations, our readings, our performances are dreams that shape the substance of art; Dream-stuff, but real. And Milton’s echo: “For man to speak and tell of wonders done / … is but a tale” — yet such tales tell worlds.

*The Open Work* endures not because it tells us how to read once and finish; it endures because it gives us ways to read always, ways to open, ways to shape. It is less artifact than event, less statement than invitation. It is a book to return to when the world feels too settled, when one’s own perception feels boxed in. And when one returns, one finds new cracks, new openings, new echoes.

[Ahmad Janajreh · Rating 3 out of 5]

يُعرَّف "الأثر المفتوح" بأنَّهُ كلُّ عملٍ فنيّ "مفتوح" من حيث التّأويل؛ الّذي يجريه القراء بمختلف سياقاتهم الثقافيّة وخبراتهم الشّخصيّة. ويشير إيكّو إلى نوعٍ آخر من "الأثر المفتوح" وإلى درجات انفتاحيّة مختلفة في كتابه الأثر المفتوح.
تاريخيًّا، يقدم الفنّ الباروكيّ درجة من هذا الانفتاح حيث "إن الشكل الباروكي هو الآخر ديناميّ وهو ينحو باتجاه تحديد الأثر-بواسطة لعبة الامتلاءات والفراغات والضوء والظل والمنحنيات والخطوط المنكسرة والزوايا ذات الانحناءات المتنوعة"(1).20 ويعتقد إيكّو بأن هذا "يذكرنّا بقدوم مرحلة جديدة في المعرفة العلمية، فإحلال العنصر المرئي محل العنصر الملموس، والأهمية المعطاة في نفس الوقت للذاتيّة والقيمة التي انتقلت من الكائن إلى الظاهر"(2).
الرمزيّة هي أيضًا، كما تظهر في أعمال كافكا الّذي "يحل محل العالم المنظم وفق قوانين معترف بها كونيًا، عالمًا فاقدًا لمراكز التوجيه وخاضعًا لإعادة نظر دائمة في القيم والثوابت"(3). وعند جويس وعالمه الّذي "تنشّطه حياة معقدة وغير محدودة، إننا نكتشفه وكأنه مدينة نعود إليها دائمًا لكي نجد وجوهًا ونفهم أناسًا ونقيم علاقات ومصالح "(4). مؤلف "منفتح" آخر هو بريخت حيث يتميز بخصائص "تتعلق بالغموض الملموس للوضع الاجتماعي بوصفه مواجهة للمشاكل التي يجب البحث عن حل لها، وعندئذ يكون الأثر مفتوحًا فيتحول إلى نقاش. إننا ننتظر ونرجو أن يتحقق الحل، لكن الحل يجب أن يولد من وعي الجمهور"(5).
يعرف إيكو الحالات في الأعلى بأنها "انفتاح ينبني على المشاركة النظرية والعقلية للقارئ الذي يجب أن يؤول بشكل حر أثرًا فنيًا سبق تنظيمه ويتوفر على بنية معينة. والقارئ يقوم بتنظيم وبناء الخطاب الموسيقي بالتعاون المادي الكامل مع المؤلف. إن يساهم في صناعة الأثر"(6).
---
(1)-(الأثر المقتوح، أمبرتو إيكو، ترجمة:-عبدالرحمن بو علي، دار الحوار، اللاذقية، الطبعة الثانية، 2001، ص20).
(2)-المصدر السابق نفسه ص32.
(3)-المصدر السابق نفسه ص23.
(4)-المصدر السابق نفسه ص24.
(5)-المصدر السابق نفسه ص26.
(6)-المصدر السابق نفسه ص26-27.
---------
يتَحدث إمبرتو إيكّو في كتابه "الأثر المتوح" عن العَصْر الوسيط الّذي"شهد تطور نظرية الاستعارة التي من خلالها يمكن للكتابة المقدسة(ثم بالتوسع للشعر والفنون التصويريّة" أن تؤوَّل حسب أربعة معانٍ مختلفة وهي: الحرفي، والاستعاري، والأخلاقي، والأناغوجي"(1). ومن يقرأ لدانتي أليغري، لا بدَّ أن يكون قد لاحظ هذه النظرية.
وإذا ما تم توظيف هذه البنية داخل الأعمال الفنّيّة، فسيكون لدينا نَّصٌّ يمتاز بالانفتاحيَّة والقابلية التأويليّة.
وهذه المعاني الأربعة المختلفة بمزيد من التفصيل هي:
1-الحرفيّة: وهي التّفسير الحرفيّ لأحداث القصة لأغراض تاريخيَّة دون استظهار أيِّ معانٍ مُضمرة، حيث يمثّل التفسير ما يظهره النصُّ ببساطة.
2-الاستعاريَّة: وهي التفسير الاستعاريّ لأحداث القصة، واستخراج المعاني المضمرة من الأحداث والشخصيات، وربط الأحداث القديمة بالحديثة.
3-الأخلاقيّة: وهي التفسير المبيِّن للكيفية التي ينبغي التصرف بها في الوقت الحاضر، وكذلك الأخلاقيات المستقاة من القصة.
4-الأناغوجيَّة: وهي التفسير المؤسس على تأملات روحانيَّة، ففي حيث تكون الاستعارة الأخلاقيَّة موجهة جوَّانيًّا، تكون الاستعارة الأناغوجيَّة موجهة برَّانيًّا أو علويًّا نحو الكون العظيم، متعاملةً مع أحداثٍ مستقبليَّة.
وهكذا فإنَّ الأنواع الأربعة من التأويلات والتفسيرات تتعامل مع أحداثٍ ماضية(الحرفيَّة) وارتباطات أحداث ماضية بأخرى حاضرة(الاستعاريَّة) وأحداثٍ حاليَّة(الأخلاقيَّة) وأحداثٍ مستقبليَّة(الأناغوجيَّة).
مثال:
يطبق دانتي أليغري هذه التفسيرات على نَّصٍّ من الكتاب المقدس:"عِنْدَ خُرُوجِ إِسْرَائِيلَ مِنْ مِصْرَ، وَبَيْتِ يَعْقُوبَ مِنْ شَعْبٍأَعْجَمَ،¤كَانَ يَهُوذَا مَقْدِسَهُ، وَإِسْرَائِيلُ مَحَلَّ سُلْطَانِهِ"(2) فيقول:"إذا نحن أخذناها بمعناها الحرفي فهي تعني أن أبناء إسرائيل خرجوا من مصر زمن موسى، وهي تعبر استعاريًا عن الخلاص على يد المسيح، ومعناها الأخلاقي هو اهتداء الروح التي تنتقل من حالة الخطيئة إلى حالة العفو. وأخيرًا إذا أردنا معناه الأناغوجي، فهو يعني تحرر الروح المقدسة التي تنتقل من عبودية الفساد لتصل إلى حرية النصر الأب��ي"(3).
-------
(1)-(الأثر المقتوح، أمبرتو إيكو، ترجمة:-عبدالرحمن بو علي، دار الحوار، اللاذقية، الطبعة الثانية، 2001، ص18).
(2)-المزامير(114: 1-2).
(3)-(الأثر المقتوح، أمبرتو إيكو، ترجمة:-عبدالرحمن بو علي، دار الحوار، اللاذقية، الطبعة الثانية، 2001، ص19).

[Kassandra · Rating 4 out of 5]

Umberto Eco was fundamentally an essayist--for the purposes of this review, let me leave his later novels aside, and focus on his nonfiction writing, his scholarly output--and so even when he attempted to write books, they read more like essay collections, loosely strung together. Hence it is fitting that this book, in English, brings together and translates chapters that, in Italian, appeared as sections of five different books. It is probably best read, not in sequence, as I did, but according to a reader's individual interests. Therefore I will review it out of order, based on my own, individual, idiosyncratic, interests.

The final chapter/essay, "The Death of the Gruppo 63," was written by a 40-year-old man looking back on his "revolutionary" enthusiasms of the preceding decade, with more than a bit of self-deprecating humor. As a 40-something revolutionary enthusiast, I therefore found it hilarious. If one is younger, or so prematurely dessicated as to have never had any sort of enthusiasm, then one might not find it so entertaining. Though it references the work collected earlier, and thus serves as a fitting conclusion to the volume, one's comprehension of it can stand independently of having read any of the rest.

The essay that I would most vociferously recommend, to be read by all writers, editors, and publishers, would be "The Structure of Bad Taste." Some of its arguments may be more readily apprehended if one is familiar with Eco's prior attempts, collected in earlier chapters, to explicate his concept of "the open work," but that is not absolutely necessary.

Those earlier chapters are uneven, both in their quality of exposition and in the self-consistency of the ideas being exposed. One could probably make do with just the first two chapters, "The Poetics of the Open Work" and "Analysis of Poetic Language," which are also the ones whose arguments are most durable. Though I will admit, one may feel more at home in the opening pages of the first essay if one has previously listened (carefully, if not necessarily with enjoyment) to Serialist musical compositions.

"Chance and Plot: Television and Aesthetics" may be of interest to scholars of the history of media studies and/or television/screen studies, if only to contrast Eco's tenuous hypotheses to future developments in the field. "Form as Social Commitment" contains some brilliant zingers, but it says something about its structural qualities that several of those were consigned to endnotes. I could make arguments for the dispensability of most of the remaining chapters.

[John · Rating 4 out of 5]

I am sad he didn't treat Reich (I'm biased, I am obsessed with Reich), but other than that, a great book. I am a graduate student in musicology, and I was blown away by his treatment of the music; seldom does someone whose field is not musicology pass the muster of our snobby standards when wading into our field, but as far as this snobby musicologist is concerned, flying colors! But are we surprised? It's Eco after all.

The writing style is also refreshing and pretty easy to follow.

And Gestalt. Totally into the Gestalt stuff.

[Svalbard · Rating 5 out of 5]

Da Berio a Eco

Sono stato messo sulle tracce di questo libro dalle Lezioni americane di Luciano Berio, che ne parlava come di un saggio in cui per la prima volta sono state affrontate le questioni estetiche delle nuove arti e specificamente della musica. Ho riflettuto sul fatto che di Eco avevo fino ad oggi letto soltanto i romanzi (che, salvo il primo, non mi hanno mai entusiasmato) e gli articoli sui giornali, nulla o quasi della saggistica e delle sue idee. Per cui, dato il viatico, ho ritenuto che questo fosse un buon punto d’inizio, e bene ho fatto.

Le cose che dice Eco in questo saggio oggi non paiono più così rivoluzionarie come sembra suonassero alla sua epoca (inizio anni Sessanta del secolo scorso). Il concetto base è molto semplice: l’arte contemporanea (e specificamente la musica, di cui qui si parla molto) da un certo momento in poi ha fatto a meno di un codice comunicativo comune tra produttore e fruitore, costringendo quest’ultimo a uno sforzo decisamente intenso di comprensione e di ri-creazione rispetto a quanto succedeva in precedenza; il motivo per cui la musica contemporanea alle orecchie di un non addetto ai lavori suoni quanto meno “strana” sta tutto qui. Un ragionamento che sembra non rese molto felici gli idealisti crociani, i quali, a quanto racconta la prima prefazione di questa edizione, non accolsero troppo bene ragionamenti che evidentemente tendevano a minare alla radice la supremazia dello Spirito, qualsiasi cosa fosse.

In realtà i vari capitoli di questo libro, tutti molto interessanti, affrontano la questione da vari punti di vista, e lascio a chi fosse interessato gli approfondimenti del caso o finisce che invece di una recensione scrivo un saggio analitico (non è che mi spiacerebbe ma non ho tutto questo tempo…). Diciamo che un capitolo l’ho trovato un po’ “dissonante” (eh…) ed è “Del modo di formare come impegno alla realtà”, l’ultimo (in realtà penultimo perché seguito da un’appendice in cui si fantastica di un linguaggio poetico creato da Adamo ed Eva nel Paradiso terrestre, che è uno dei più entusiasmanti). Qui, pur senza nominarlo mai, si paga un pesante tributo ad Adorno e alla sua visione politico-sociale del linguaggio artistico e in ispecie musicale, per cui rimanere nelle forme tradizionali (meglio: borghesi) della produzione artistica è un atteggiamento alquanto conservatore (peggio: reazionario) dove un’adeguata consapevolezza non può che rifiutare e devastare tutto quello che lo ha preceduto. Si parla molto anche di Marx e del concetto di alienazione; cose molto interessanti ma sulle quali preferisco non pronunciarmi dato che “alienazione”, in Marx, mi pare sia un concetto non propriamente modellabile sul senso che questo termine ha nel linguaggio corrente (straniamento psichico, stress). Probabilmente l’Eco degli anni successivi, che avrebbe accolto e analizzato anche forme e sostanze della cultura pop, avrebbe fatto propria una maggiore elasticità rispetto al monolitismo di certe posizioni, buone a censurare come reazionario tutto quanto non si attaglia a determinati principi definiti a priori. E in ogni caso non va dimenticato l’appello di Proust che già parecchi anni prima di Adorno e di Eco diceva “Detestate la cattiva musica, non disprezzatela. Dal momento che la si suona e la si canta ben di più, e ben più appassionatamente, di quella buona, ben di più di quella buona si è riempita a poco a poco del sogno e delle lacrime degli uomini.
Consideratela per questo degna di venerazione.” (E pensiamo anche alle parole del vecchio Schönberg: l’accordo maggiore ha ancora molto da dire…)

Altro capitolo interessantissimo è quello dedicato allo zen e alle convergenze che questo approccio intellettuale ha con i linguaggi “aperti” dell’arte, tanto più efficace quanto più “cortocircuitante” per la logica razionale.

Berio, nelle sue Lezioni americane si rammaricava del fatto che Eco si fosse allontanato da quello musicale come campo di indagine. In effetti non senza ragione, dato che la chiarezza tematica ed espositiva di queste pagine è esemplare rispetto ai deliri confusionari ad esempio di un Boulez.

[Anoop Thomas Mathew · Rating 4 out of 5]

The gist of the book

The Open Work discusses the relationship between Work, Openness, Information & Communication. Book claims that meaning is not information; Information can contain hidden meaning. But the context of the information matters. There are subtle meanings. For example, a soviet official sending a Christmas card with “flowers blooms in spring” vs. your aunt sending a card could mean very different. Larger the amount of information, the more difficult it is to communicate; the clearer the message, the smaller the amount of information. So, depending on the context, choose how much you want to articulate vs. how much you want to leave for interpretation.

Openness in Art: The composer gives options to the performer to improvise and the audience a chance to interpret. More complex and defined the message, the less openness the work can be. Artistic production is a matter of "trying" of proceeding by means of proposals, drafts, and other patient interrogations of "matter". Early in the book, Eco discusses Luigi Pareyson’s theory of formation and aesthetics and makes a claim that - Since every form is an act of invention, the discovery of the rules of production required by the object that is being made, all human work is intrinsically artistic. The form is the very process in its conclusive and inclusive aspect; it is not separable from the process of which it is the perfection, the conclusion, and the totality. Book discusses avant-garde vs. Kitsch art styles. Sometimes, the audience is in for an escape and Eco explains it referring to The Tigers of Monpracem by Emilio Salgari which is not an artistic masterpiece; but an entertainer.

Towards the end, Eco tries to reconcile structural thought and serial thought, but in vain. Structural thought believes that code and the message have a relationship and code is understood, well-defined and immutable; Serial thought believes that each code has an underlying “meta code”, and that needs to be in question as well. (For me, it felt more of a demarcation problem). Eco concludes this conflict as the aim of structural thought is to discover, whereas that of serial thought is to produce.

Book is a deeper analysis on evaluating art and its relation with information theory. It contrasts Avant-garde vs. Kitsch works and their usefulness which was new to me. If this review was interesting, it's worth digging more.

[Arnost Stedry · Rating 5 out of 5]

Nejstarší a pravděpodobně kultovní nerománová a neesejistická Ecova kniha. Ač byla vydána v roce 1962, její části Eco časopisecky publikoval již koncem padesátých let. V dalších vydáních autor knihu docela podstatně reorganizoval a český překlad vychází z poslední verze (1973)

Otevřeným dílem jako tvůřčím postupem se Eco dle svých slov začal zabývat během své práce na téma Joycova Odyssea pro italský rozhlas, kde se setkal s Lucianem Beriem a diskutovali spolu o avantgardní hudbě. Pravděpodobně se nejednalo o jediný zdroj inspirace, autor často zmiňuje i hry Bertolda Brechta, obrazy Jeana Dubbuffeta, či Jamese Pollocka.

Co je tedy pro Eca otevřené dílo? Víceméně cokoliv, co umožnuje různá čtení a snaží se tak zapojit svého adresáta (tedy čtenáře, diváka, posluchače) do tvůrčího procesu. Eco ukazuje, že tento přístup k tvorbě není zcela nový, ale že k masivnímu nasazení této metody došlo až ve dvacátém století.

Aby rozkryl způsob, jak otevřené dílo funguje, bere se Eco na pomoc zpočátku nástroje teorie informace, nutno řící, že s nimi pracuje docela fundovaně a následně se snaží demonstrovat princip otevřenosti na různých příkladech: televizní přímý přenos, Zen v americké kultuře, či rozborem mechanismu zcizování a odcizení.

Ve většině případů je Eco velmi poctivým vykladačem a zároveň vtipným glosátorem, ač některé pasáže vyžadují opakované čtení (a v několika málo případech jsem musel nahlédnout do anglické, či italské verze, abych seznal, že si se složitou situací poradil překladatel docela dobře)

Poslední studie o edemském jazyce je pěkným bonusem, kde na příkladu jednoduchého jazyka, který je tvořen pouze písmeny A a B Eco demonstruje vznik a vývoj poetické funkce. Pokud nemáte rádi rozvleklé výklady, přečtěte si aspoň tohle.

[Zubr · Rating 5 out of 5]

Umění úmyslně zklamává naše očekávání přirozeně směřující ke kompletnosti.

Někdy mi tady chybí možnost dát místo hvězdiček srdíčko. Nemuselo by jich ani být pět, stačilo by jedno.

Strukturalismus, fenomenologie, formalismus, teorie informace, literární kritika, estetika, hermeneutika, psychologie, epistemiologie. Kupodivu to všechno i na tak malém prostoru drží pohromadě.

Konstantinopol rybaří nechutně růžově, bezbarvé zelené myšlenky zuřivě spí.
Rozdíl mezi pluralitou formálních světů a nediferencovaným chaosem, zcela postrádajícím jakoukoliv možnost estetické zkušenosti, je minimální: pouze dialektika oscilace může zachránit tvůrce otevřeného díla.

[...]

Krize současné buržoazní civilizace je částečně zapříčiněna tím, že průměrný člověk nebyl schopen vyhnout se systému předpokladů, jež jsou na něj zvenčí uvaleny, a tomu, že se nezformoval skrze bezprostřední průzkum reality. Dobře známé sociální choroby jako konformismus, konzumentarismus a masové myšlení mají základ ve standardech rozumění a mínění, které bývají ztotožňovány s „pravou formou“ v etice, politice, výživě, módě, vkusu, pedagogice...
Na tomto místě bychom se měli ptát, zda současné umění, uvykající nás pokračujícímu porušování vzorců a schémat, nesplňuje ve skutečnosti pedagogickou funkci, osvobozující roli. Je-li tomu tak, potom tento diskurz může překračovat otázky vkusu a estetických struktur a zapsat se do širšího kontextu: mohl by se stát ztělesněním cesty ke spáse moderního člověka směrem k znovudobytí ztracené autonomie na rovině percepce a inteligence.

[محمد المغازي]

بالصدفة وف يوم الترجمة أو المترجم، الراجل هنا بيدفعني لسؤاله، ليه تترجم كلمة عمل للأثر ؟ يعني وقع الكلمتين مليون ف المية مختلف ع الذهنية يسطى والله، لمة عمل هي الكلمة الشائعة والمتداولة بين القراءة والمثقفين والمهتمين بالفن عموما، أثر دي كلمة ثقيلة ودلالاتها بعيدة جدا جدا جدا، وأنا شخصيا أثنا القراءة بعمل ترجمة شخصية كل ما الكلمة تظهر -وهي هتظهر كتير- وأحولها لعمل بدل أثر، الكلمة ثقيلة بجد ودمها حاد وجاف زي المترجم الركيك.

بالنسبة للكتاب وفي محاولة لتجاوز هذه الترجمة غير الجيدة والبضان، كتاب على مستوى عالي من الأكاديمية والتحليل، يناقش فكرة الأعمال غير المنتهية متعددة التأويل والمفتوحة للقارئ كي يقرأها مرة تلو الأخرى، وعماد الكتاب الأساسي هو أعمال جيمس جويس الأيرلندي، هذا الروائي الهائل، صاحب الروايات المعقدة والمتشابكة كأحد قمم الفن الروائي جودة وصعوبة، فيحلل إيكو بنظرة ثاقبة واعية واسعة أعمال (آثار جويس وفق ترجمة الكتاب) ويضع شخصية جويس الفنان نفسه تحت المجهر من حيث التأثيرات و الفلسفات والكتاب المفكرين الذين تأثر بهم خلال فترات حياته، ويضع فلسفة ما حول الفن في العصر الحديث أو الحياة المعاصرة من حيث الشكل والمضمون.

كتاب ثري ومرهق ويستحق القراءة إن كنت مهتم بجويس إيكو/ نظريات الفن والجمال، غير ذلك لن تجد ما يسرك هنا لكن الكلام كله إشكالي تحليلي فلسفي.

[Milo Galiano · Rating 3 out of 5]

El Eco ensayista me cansa en exceso. Es un libro que bien podría ocupar 70 páginas y sería muchísimo mejor. Pero su necesidad de justificación paranoide, propia de los individuos más cultos, desgasta en demasía; más aún si se suma la vertiente medievalista con la que se caracteriza la escritura de Eco.

La tesis: fantástica y enormemente rica. Muy a favor de los sentimientos intelectuales de la Europa de los años 60 (pienso en Gadamer, Foucault-Magritte y toda la urdimbre hermenéutica de este comienzo de segunda mitad de siglo). Sin embargo, a día de hoy, poco defendible por varios motivos, de los que destaco dos: un primero, que posiciona una suerte de sujeto o sujeción entre obra e intérprete, y un segundo, que vaticina un enfoque no salvable de dialéctica (de la cual solo pueden brotar pensamientos absolutizantes y significadores, castrantes e impotentes). Lo que más me ha gustado es la exposición tan, pero tan rica, de la prosa de Eco, al proponer los juegos en torno a la obra de Joyce.

[Mikołaj Twardowski · Rating 5 out of 5]

"Wspólnym tematem tych poszukiwań jest reakcja sztuki i artystów (struktur formalnych i programów poetyckich, które nimi kierują) na atak Przypadku, Nieokreśloności, Prawdopodobieństwa, Dwuznaczności, Wieloznaczności... Mówiąc ogólniej, chcę zbadać różne okoliczności, w których sztuka współczesna liczy na Nieład; nieład, który wszakże nie jest ślepy i nieuleczalny i nie oznacza klęski wszelkich prób uporządkowania, ale jest nieładem płodnym, pozytywnym, jak nam tego dowiodła współczesna kultura - jest to zerwanie z Ładem tradycyjnym, który człowiek zachodu uważał za niezmienny i utożsamiał z obiektywną strukturą świata... Obecnie, kiedy pojęcie to uległo rozbiciu za sprawą wielowiekowego problematyzowania, metodycznego wątpienia, rozwoju dialektyk historycznych, hipotez nieokreśloności, prawdopodobieństwa statystycznego, prowizorycznych i zmiennych modeli wyjaśniających - sztuce nie zostało nic innego, jak tylko zaakceptować ten stan rzeczy i próbować - zgodnie ze swoim powołaniem - nadać im kształt"

[Grazie K. Zeligara · Rating 5 out of 5]

Este livro apresenta uma teoria aberta, assim como está em seu nome, para a possibilidade de uma obra abarcar ambiguidade e ressignificação. Mais do que uma possibilidade aleatória, aponta para a construção da metáfora narrativa ou estética como um caminho de elaboração capaz de carregar as contradições sociais que cercam a sociedade contemporânea e, especialmente, a arte contemporânea. Apesar de muito erudito, o texto é didático (ainda que por vezes seja preciso ler algumas vezes e relê-las) e parece oferecer a chance do diálogo interdisciplinar com naturalidade para este contexto histórico. Anuncia ainda uma visão sobre a vanguarda artística que não se apega a definições comuns, apresentando obras específicas de artes plásticas, música, literatura e cinema.

[Javi Santos]

El libro que más he tardado en leerme porque Umberto Eco es denso a más no poder. A ratos es brillante y cuando no es al menos útil

Cuando habla sobre Joyce y su trato de la semiótica en general son los mejores momentos y solo por eso ya creo que habría que leerlo, todo esto partiendo de la base de que no he leído ningún otro tocho de estética ni sé mucho del tema, así que lo que escribo aquí en realidad solo puede servirle a novatos como yo

2 cosas ya personales a destacar es que hay un par de comentarios geniales sobre Antonioni y que la tesis principal en realidad va totalmente de acuerdo con mi línea de pensamiento, así que poco desafío me he encontrado más allá de cuando Umberto se pone un poco pesado

[Kris]

"Proto je každá recepce uměleckého díla zároveň jeho interpretací a tvořením, neboť každá recepce je tvořena z jiné perspektivy."

Přečteno pouze samotné Opera aperta, tedy recepce teorie informace/komunikace estetikou a literární vědou, a předmluvy v druhém vydání a reakce na dílo. Další vydání obsahovala různé zajímavé, ale pro mě okrajové eseje, které jsem jen prolítla. Proto nehodnotím hvězdičkami.

Četla jsem dříve knihy o informaci a entropii, takže jsem trochu bojovala s pocitem, že je to sloppy mumbo jumbo. Nejsem moc fanoušek aplikace pojmů z jiných oborů. Pozdější Ecovy knihy jsou o dost složitější, ale také lepší.

[Tereza Vlčková · Rating 5 out of 5]

Pozerajúc na toto dielo optikou autora, ktorý žije v 60. rokoch 20. storočia, je toto dielo naozaj unikátnym teoretickým "návodom" k interpretácii rôznych foriem umenia a sveta. Pri čítaní tejto knihy som často dostávala otázku: A nie je to zložité? Samozrejme, že je. Asi najzložitejšia kniha, akú som čítala. A to mám základy semiotiky v hlave ešte z vysokej. Samozrejme, že som nerozumela všetkému. Hlavne hudbe nie. Tam mi autor vysvetlil, že som veľmi nevzdelaná poslucháčka, hľadajúca harmóniu. Napriek počiatočnej nezrozumiteľnosti má však subjekt v diele poskrývaných toľko zaujímavých myšlienok, že sa oplatí prelúskať cez náročné pasáže.

[Marcelo Alves · Rating 4 out of 5]

“Obra Aberta” é um livro espetacular de Umberto Eco. Lembro que li pela primeira vez entre 2001 e 2002, quando ainda estava na faculdade de Jornalismo. Em 2021, voltei a ler este livro é os vinte anos de diferença foram muito importantes para entender certos aspectos de alguns dos ensaios do escritor italiano neste livro.

De qualquer forma, desde a primeira leitura sempre me fascinaram e foram importantes algumas ideias de Eco. Especialmente o conceito de que toda obra de arte é aberta, pois não comporta apenas uma interpretação.

Eu gosto de por vezes revisitar está obra que ajudou a formar um pouco da minha visão crítica sobre a arte.